Excerpt：卡洛琳‧拉霍許的《誰抄誰？西洋名畫的對照、剖析與探源》

這本書幫助我們優遊於不同時代，找出畫家之間的相似性、衝突點甚至是爭議之處。可以像梵谷一樣，公開從米勒的作品中汲取靈感，他寫道：「我愈是思考，愈覺得重現米勒畫過的東西有其道理……不是純粹的複製……比較像是把它轉換成另外一種語言──將黑白調中明暗對比的印象轉換成色彩的語言。」也可以如杜象、安迪．沃荷、巴斯奇亞一樣標新立異，拿著名的蒙娜麗莎開玩笑，轉換成可笑的複製品！
繪畫手法隨著時間演變，而傳承則延續下來。到底誰抄了誰？就某個角度來說，所有人都抄了！有時創造出更好的作品，有時卻也更糟。不過若是抄襲可以讓藝術生生不息、繼續演進的話，那有什麼關係呢？卡洛琳．拉霍許暗示的這個永遠處於進行式的「再造」本身，正是豐富藝術的因子，它在不削減靈感的情況下滋潤創作。
——法蘭西藝術院院士 派崔克．德卡洛利 (Patrick de Carols)，〈序〉

在傳統紙質書本及電子書兩者此消彼長的時代趨勢之下，能看到像《誰抄誰？西洋名畫的對照、剖析與探源》這本極具裝幀特色的實體書本，特別讓人感到驚喜。
如同中世紀的三聯畫 (triptych)，作者用三件作品對照的方式呈現出特定的主題以及不同時代的轉變，其中的系譜脈絡也在作者的引導之下顯得清晰可見，同時也強化了我們對於這些畫作的理解程度。

透過作者的巧思安排，有些畫作採用了雙拉頁，有些畫作則是像折疊海報，充滿了手工藝品的欣賞樂趣。
至於畫作的挑選，有大家可能比較孰悉的名畫，像是：《最後的晚餐》、《亞維儂的少女》、《蒙娜麗莎》、《草地上的午餐》…；
也有我個人頗為陌生的作品，好比是：透納的《國會大火》、庫爾貝的《帕拉瓦的海邊》、瓊斯 (Jasper Johns) 的《錯誤的開始》(False Start)…；但整體而言，這本書兼顧了專業人士以及業餘愛好者的閱讀樂趣。

儘管因為實體書店日漸式微的現象，自己對於實體書本始終抱持悲觀的想像，然而一旦發覺坊間書市之中有這樣裝幀美麗、內容精采的書本，在這個當下還是不免為之振奮啊！

http://www.books.com.tw/products/0010650425
誰抄誰？西洋名畫的對照、剖析與探源（手工拉頁精裝）
Qui copie qui? La peinture sous influence
作者：卡洛琳．拉霍許/著, 楊尹瑄/審訂
原文作者：Caroline Larroche
譯者：劉美安
出版社：野人
出版日期：2014/10/01
語言：繁體中文

　　繪畫史上的名作，為何總有似曾相識之處？到底是誰抄誰？
　　梵谷從不避諱對米勒的崇拜，甚至多次模仿米勒畫作；早在達文西《最後的晚餐》之前好幾十年，就已有畫家利用透視法創作了同一主題；新古典主義大師安格爾，下筆時其實不斷「參考」拉斐爾的傑作……
　　藝術創作就是重作，就是改造、致敬、扭曲、批判或諧仿前作？藝術本身就是不斷的「形式再造」，以形式替換形式，也就是傳承、再現、反動、違抗前作並啟發新作，而整部藝術史，就是持續更新前人的作品所寫成的。
　　然而，如果題材或技巧參照了別人的作品，這樣的創作還具有獨創性嗎？
　　藝術家真能完全擺脫前輩的影響，與他人之間無所關聯嗎？
　　作者針對這些問題作了廣博、感性又不失幽默的調查，從數百件藝術作品當中抽絲剝繭，帶領我們穿梭於不同年代，欣賞這條美的道路。
　　全書分成46個篇章，藉由200多幅名畫，以前所未見的角度切入西洋藝術史。取「影響之下的繪畫」為主軸，橫跨15至20世紀的相同主題畫作「之前／之後」對照中，聽見畫家透過繪畫進行引人入勝的對話，觀察到作品間令人稱奇的血緣關係，使讀者能自在優遊於這些充滿了互動、對照、共鳴或衝突的藝術作品之中，自然而然理解藝術史的流變，輕鬆進入西洋繪畫的繽紛世界。

作者簡介
卡洛琳．拉霍許 Caroline Larroche
　　藝術史學者，法國藝術類暢銷作家，專長為十九世紀、二十世紀西洋藝術史。曾任奧塞美術館研究員，之後轉法國國立美術館聯合會，負責出版部門，同時間也為《美術雜誌》等媒體和畫廊撰寫藝術評論文章。多年後辭去職務專事寫作，與藝術愛好者分享她對影像及文字的品味，不只為成人而寫，也為孩子而寫，著有多本膾炙人口的藝術相關著作。


【Excerpt】
〈奧菲莉亞〉
奧菲莉亞之死是浪漫派的最佳題材，十六世紀夫莎士比亞筆下《哈姆雷特》中的悲劇女主角，由德拉克洛瓦引入繪畫領域。一八三八年到一八四四年間，他以此為題畫了好幾幅小型畫作，選擇奧菲莉亞在發現哈姆雷特背叛她的愛情、殺了她的父親，因而發狂、溺水而死的情景。接著輪到英國畫家米雷描繪奧菲莉亞飄在水中的屍體，這一幕幾近超自然，其實卻是以「自然寫生」的方式畫成。到了魯東，則以天馬行空的幻想及微微發光的透明色彩，將脆弱的奧菲莉亞帶往夢的國度。

歐仁‧德拉克洛瓦
《奧菲莉亞之死》
莎士比亞在德拉克洛瓦的文學萬神殿中是第一人，《哈姆雷特》的悲劇特別觸動他的靈感，除了三個不同版本的《奧菲莉亞之死》油畫．還有好幾幅畫作跟一系列版畫。

約翰‧艾佛留特‧米雷爵士 (Sir John Everett Millais, 1829-1896)
《奧菲莉亞》(Ophélie)
米雷這幅畫雖然精細寫實，卻也充滿了各種象徵：畫面上方邊緣的拱形強化了由植物形成的墓穴感，花朵則依次訴說著無辜 (法蘭西菊)、死亡 (虞美人)及「勿忘我」(勿忘草)。

奧迪隆‧魯東 (Odilon Redon, 1840-1916)
《花中的奧菲莉亞》
魯東畫了好幾個版本的粉彩奧菲莉亞，夢幻成分掩蓋了所有敘述企圖。他運用色彩的美妙天分，將脆弱的側影帶進了想像的次元，空間與時間都消失了。

〈梅杜莎頭〉
紅色、藍色、綠色、黃色，紫色！馬諦斯、雅夫楞斯基與畢卡索用這些色彩來描繪人物臉部，震撼了人們的目光。在十九世紀的最後二十五年，高更在大溪地，梵谷在阿爾城，已經將色彩從自然的固有色中解放出來。馬諦斯在一九○五年秋天沙龍裡展出《戴帽子的女人》，憤慨的藝評家形容這次展覽像在「獸欄」，然而，遊戲已經開始：色彩遭遇重重困難，終於贏得勝利，自主且富於表現性，在不打破具象的情況下，從此擺脫了模仿真實的繪畫方式。

亨利‧馬諦斯
《戴帽子的女人》
馬諦斯在一九三六年說道：「那些精緻的畫作，有著細膩的漸層及軟弱無力的混合色，正呼喚著美麗的藍色、紅色、黃色這些會激發人類感官的素材，這就是野獸主義的開端：找回單純手法的勇氣。」

亞歷山‧雅夫楞斯基 (Alexej von Jawlensky, 1864-1941)
《「梅杜莎」女人的臉，光與影》
這張線條簡化到最基本、但是比例異常又色彩鮮艷的女人臉，像個幽靈一樣出現：梅杜莎的幽靈，能將與她眼神相遇的人變成石像。頭髮的畫法提醒觀者這幅畫的主角是傳說中的蛇髮女妖。

巴布羅‧畢卡索
《朵拉‧瑪爾的肖像》
這是畢卡索在一九三七年三月到十一月為朵拉‧瑪爾畫的一系列重要畫像之一。即使用了強烈的色彩，臉部同時呈現正面與側面，然而在畢卡索的畫作裡，她那黑色的頭髮、優雅的長手指，以及凝視不動的大眼睛都一樣——仍然可以認得出是朵拉。

〈夜鷹〉
霍普，描寫美國社會深處及人類焦慮的畫家，《夜鷹》是他最有名的畫，這幅畫像是直接從黑色電影裡剪出來的畫面——霍普本人非常喜愛這類電影。這幅畫有個更早的淵源：梵谷的《夜間咖啡館》，以及他那些「人類可怕的欲望」。隨後霍普自己也成為莫諾里的繪畫標竿，後者的作品完全取材自一九四○到一九五○年間的美國電影。阿爾、紐約、巴黎：三個夜間的咖啡館，人們背負著孤獨至此，迷失自我，走進過去或未來的罪行中……

文生‧梵谷
《夜間咖啡館，阿爾城拉馬汀廣場》
在梵谷醉心追尋色彩的過程中，常被黑夜所吸引，一八八八年八月，畫家向弟弟吐露：「我常常覺得晚上比白天更富於色彩。」在同一封信裡，他也宣告打算畫阿爾一間整晚開放的夜間咖啡館內部。

愛德華‧霍普
《夜鷹》
霍普的畫作常常像是電影裡的連續鏡頭，許多導演都曾向他的作品致敬。這幅《夜鷹》激發了羅伯‧席歐麥 (Robert Siodmak, 1900-1973) 在拍改編電影《殺人者》(The Killers, 1946) 片中好幾個鏡頭的靈感，以及一九九七年溫德斯 (Wim Wenders, 1945-) 在《終結暴力》(The End of Violence) 中一個「一模一樣的場景」。

雅克‧莫諾里 (Jacques Monory, 1934-)
《色彩一號》
透過彩色濾鏡，敘事具象派先鋒莫諾里的連績性畫作從美國電影及繪畫中取材，表現出世界的暴力面。