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當我們談到攝影的特點在擁有比繪畫（一般情況下）更能紀錄物質世界的真實，往往會陷入一個奇妙的矛盾中：「攝影究竟能不能反應非物質的事物？」像是夢境、心理狀態，或是情緒。

        就美學的角度來說，這個問題應該要分成幾個層次來看，首先何謂物質世界的事物？

        以現象學的觀點看，物質世界呈現的表象與事物的本質之間不具有雙重性，表象與本質只是一種語言上的分別，但兩者呈現出來，被觀者認識的應該是相同的內容，以此來回應康德認識論，「人的認識受限於其本身有限性，達不到事物本質」的假說。

        物質世界是什麼樣貌，簡單來說就是人們所認識到的，且是以感官認識到的所有內容。對於一個盲人來說，顏色並非無意義，但一個無法被認識的事物，其意義只能是想像與構作的，尚無法達到真實的階段。顏色在盲人身處的世界之外，就像我們假設一個從來沒有看過的外星生物存在，其內容並不在於外星生物長什麼模樣、如何生活、有什麼生物特徵等，而是反應人對於是否有外星生物存在，人是不是宇宙中孤獨的個體等等命題所做的說明。

        物質世界，也就是人的感官認識的內容。

        這個內容經過攝影，成為一種對於物質世界的再造，在這裡就產生了所謂真實性的意義。當我們研發更能蒐集細節，所謂更銳利的感光元件與鏡頭，其目的就是使事物的真實性更容易被捕捉與呈現。

        到這一層，我們也無法說攝影能夠捕捉抽象事物。這是否意味著攝影的界線就在於此呢？答案是否定的，反之，正因為攝影跳脫了追求真實性的框架之外，攝影才儼然成為一門獨立的藝術。

        蘇珊‧朗格（Susanne Langer）在《藝術問題》（Problems of Art: Ten Philosophical Lectures）寫道：「在一幅繪畫中，最基本的創造物就是某種空間幻象。」（郭勇健，2011，頁201）

        藝術的意義就在創造，創造不是無中生有，創造來自創作者的理念，理念不是很玄的東西，卻經常被人說得神乎其神。理念就是藝術家創作時的構思，難以捉摸的在於靈感的來源有時來自意想不到之處，但透過長久創作累積的經驗，可以幫助更容易捕捉到創作的基本要素。靈感難得，但技術可練，且會隨著經驗累積不斷增長。靈感難得，也不表示構思不可練。太多傳奇的故事被傳頌，但攝影是一門累積的藝術，卻經常在這方面被倒果為因。網路上經常出現的攝影經典照片，那是攝影師大量創作留下的經典，但沒有平時大量的創作，那經典也不會那麼輕易誕生。可是往往讀者在閱讀這些照片時，反過來認為經典是來自意外，再加上讀者自己內心的想像力，包括對作品本身與創作歷程兩者，增加了經典作品的傳奇性，同時也降低了藝術創作背後應當被重視的刻苦歷程。

        經過幾年琢磨，我發現攝影追求的並非真實性，而是有著與繪畫之間的一項聯繫，攝影也是創造幻象，只是拿現實事物作為材料。

        攝影不能沒有光，攝影捕捉的一切都是光能映照的各種物質物。以攝影為例，想表達抽象理念的藝術家，以對物質物的重構，也就是一種對事物「語言」重新構作的方式，使抽象理念得以用一種人們同樣善於使用的對象（感官熟知的物質世界），以一種人們不熟悉的「語法」（對物質事物的重新擺弄，包括後製）表現，創造出超越真實性的藝術性。

        這是對攝影藝術家的考驗，好比每個人都會說話，但有些人口齒清晰，有些人不善言詞。口齒清晰的當中，有些人說話粗俗、有些人文謅謅，而有些人說話得體又有內涵。攝影和其他藝術有著一個同樣的特質，就是都屬於一種特定的語言，但這類藝術語言不是無中生有，而是在已有的生活世界中，找出最美的表達方式，使語言的使用者與接收者，都因為這段語言徜徉於美之中。