首先必須提醒，這篇影評中有不少劇情細節。當然我個人覺得音樂劇精華在於音樂，不是情節，所以知道「雷」似乎也沒有關係。這篇文章的重點，是比較電影與音樂劇版本演唱的差異...

惡浪滔天中，無數罪犯牽引巨繩，將大船拖入船塢，氣勢磅礡地開啟了2012年底在美國首映的《悲慘世界》(Les Misérables) 電影版序幕。《悲慘世界》亦名《孤星淚》，是十九世紀法國小說家雨果(Victor-Marie Hugo)的經典創作，他的另外一本為人熟知的鉅著是《鐘樓怪人》(Notre-Dame de Paris)，這兩部作品，都被改編為音樂劇。而許多人對於這兩部小說的認知，其實也是來自於音樂劇。

《悲慘世界》音樂劇故事主軸主要分為兩條，第一條敘述男主角尚萬強(Jean Valjean)因透竊麵包並嘗試越獄遭判重刑十九年，刑滿假釋，出獄後卻因有案底而處處碰壁，最後棄保潛逃，受到警探賈維 (Javert) 追緝。隨著故事進行，尚萬強努力奮鬥創業有成，成為市長並經營工廠，救助了淪落風塵的工廠女工芳婷 (Fantine)，在她臨死時承諾照顧芳婷遺下的孤女柯賽 (Cosette)，並且從貪婪陰險的酒館夫婦 (Thénardier and Madame Thénardier) 手中救出無助的小女孩。故事第二條主軸，則是以1832年巴黎共和黨人起義(六月暴動)，敘述普羅大眾遭受社會不公與壓迫，因而許多青年趁拉瑪克將軍 (General Lamarque) 病逝之際起義，最後卻被武力鎮壓弭平。隨著起義計畫進行，青年馬里斯(Marius)、長大後的柯賽與愛波寧 (Éponine) 間的三角戀情也逐漸發展…

我第一次觀賞《悲慘世界》，是在2004年的倫敦西區皇后劇院(Queen’s Theatre)，當時就深深被這齣音樂劇吸引。音樂劇的表現方式與普通戲劇或電影不太一樣，一般故事著重於懸疑情節的安排，觀眾的樂趣就是跟隨情節，逐步釐清真相，最忌諱在情節鋪陳時不慎洩漏秘密(台灣稱「爆雷」)。但是音樂劇則不同，它的情節固然重要，但是音樂的感染力與舞台的魅力，卻往往遠大於故事情節本身。因此，許多觀眾都會不斷回到劇場，重溫同一齣音樂劇，他們看的不是情節，而是重複聆聽美麗的旋律，沉浸於音樂的饗宴。越是熟悉的曲子，越能引發觀眾內心的強烈共鳴。由於觀眾明確掌握了每一個音符與節奏出現的時機，他們於是能夠計算節拍，等待劇中人準確唱出歌詞，甚至觀眾會在心中、嘴角悄悄跟著唱，這種感覺，彷彿是一種確認自我存在的內心過程。當音符與節奏準確的到位，觀眾便可以感受到一種如心跳般規律的安全感。這也是為什麼，同一齣音樂劇往往可以在倫敦西區、美國百老匯上演數年，甚至數十年。《悲慘世界》自 1985 年在倫敦開演以後，連續演出了二十多年，直至 2007 年才下檔。不過《悲慘世界》尚不是上演時間最長的音樂劇。事實上《月亮在我家》(Fantasticks) 號稱全世界上演時間最長的音樂劇，自 1960 年於百老匯上演，連續演出 42 年！而這還不包含在其他國家上演的時間。

《悲慘世界》音樂劇全部由歌曲串接構成，連人物對話都有旋律，而且每一首曲子都很精彩，這也是為什麼 1995 年 10 月 8 日在艾伯特音樂廳（Royal Albert Hall）演出《〈悲慘世界〉十周年紀念音樂會》時，居然可以將人物動作全部去除，單純以演唱方式呈現的原因。而這個十周年紀念音樂會版本，也成為許多人心中牢不可破的經典。或許我對於這個版本的印象實在太深刻，所以在觀賞電影版《悲慘世界》聆聽演唱時，往往會不知不覺比較兩個版本的差異，最後往往因為電影版本演員歌唱水準落差太大，無法充分傳達情感，因而有些失望。其實，電影中屬於集體大合唱的曲子仍然都很棒，演員們的表現也都不俗，但是因為許多人先天的音色侷限，總讓電影版中的演唱顯得「若有憾焉」，許多歌曲只能靠壯闊的交響樂伴奏，掩飾演唱者聲音表現功力不足的小瑕疵。

我必須強調，由休傑克曼(尚萬強)、羅素克洛(賈維)、賽夏拜倫柯恩(酒館主人)、艾迪芮德曼(馬里斯)四大男角，加上安海瑟威(芳婷)、亞曼達賽佛瑞(柯賽)、莎曼沙巴克絲(Samantha Barks，愛波寧)三位女角所組成的陣容實在已經非常強大，幾乎是好萊塢一線巨星齊聚，在卡司上實在沒有甚麼好挑剔的。只是，他們比較適合唱流行音樂，如果輕輕唱首抒情曲，一定迷死人。然而現在來唱音樂劇，特別是《悲慘世界》這種磅礡大劇，就顯得有些中氣不足，感染力稍嫌薄弱了。

例如，在六月暴動發生後，法軍發動總攻擊前的夜晚，當萬籟俱寂時，尚萬強曾向上天求懇，讓馬里斯平安回家。請聽聽下面影片休傑克曼演唱「帶他回家」“Bring Him Home”，再比較康姆維京森(Colm Wilkinson)的版本，就會發現，這首闡述心中強烈煎熬、掙扎、矛盾，並且向上帝吶喊求懇的曲子，畢竟不能如休傑克曼那樣平鋪直敘的嘶吼。休傑克曼曾經是音樂劇演員，他的聲音低沉且富有磁性，是天生的歌手。然而，他的詮釋卻少了人性善惡掙扎的獨白，以及生死矛盾的呢喃，而且，他從低音拔高音時，也好像滿吃力的。辛苦了！休傑克曼，但是最好還是輕聲些，不要放聲吶喊，這樣唱可能會吵醒碉堡沉睡的年輕人唷。聽聽維京森的唱法，這才像是夜闌人靜時，尚萬強按捺不住心中煎熬，情緒激動卻只能悄悄禱告的聲音呀！但話說回來，尚萬強本來就是一個非常難以詮釋的矛盾角色，歌曲的唱法也非常困難，休傑克曼真的已經表現得很不錯了。只是有經典版本當前，後起之秀壓力可沉重呢！

上方為休傑克曼，下方為維京森

警探賈維是個悲劇人物，他堅持信念、嫉惡如仇，原本自以為是正義的化身，最後卻赫然發現自己竟是「苛政猛於虎」的不公義法律下，不知變通的加害者，在對自己的存在產生質疑後，他因而發瘋甚至結束生命。賈維在追緝尚萬強時，曾經在深夜對著星空發誓，一定將逍遙法外的罪犯繩之以法。這首歌以優美的抒情旋律開場，逐漸升高情緒，最後慷慨激昂地宣誓決心。羅素克洛在唱這首歌時，一開頭抒情柔美的部分處理得棒極了；然而隨著情緒逐漸激昂，他的歌聲明明應該更有力些，卻始終感覺搔不到癢處，有點像是即將燒開，但卻尚未沸騰的水，就是差那麼一點點。我個人覺得羅素克洛唱得比較像是催眠曲或是情歌，雖然很溫柔，但卻忘了這首歌不是抒情詩，而是鐵面無私的執法者，在星空下信誓旦旦，誓言捕獲罪犯的堅決口吻。在音樂劇版本中，菲力普奎斯特音色更加冷酷有力，而且他善用口白強化表現的力度，適度哄抬了中後段逐漸激動的情緒，相較於羅素克洛平板的唱腔，菲力普還是略勝一籌。甚至說「大勝」也不為過。


上方為羅素克洛，下方為菲力普的演唱版本



相對於男演員，女演員的表現相對亮眼。例如安海瑟威飾演芳婷，在芳婷被逐出工廠，淪後風塵後，安海瑟威演出必須剪下長髮、拔出牙齒變賣謀生的苦況，不但犧牲色相，而且賺人熱淚，果然，安海瑟威贏得了今年英國影藝學院 (BAFTA) 電影獎最佳女配角獎。芳婷在某次接客後，曾一度痛苦地追憶起少女時代的快樂，想起始亂終棄的男人，唱了「我曾有夢」 “I Dreamed a Dream”，安海瑟威的音色雖然沒有露蒂漢斯雪兒明亮華麗，但是說實話我真的頗為驚艷，非常符合一位淪落風塵的女子悲嘆過去，從齒縫間吶喊出苦難的心情。其中「當他們撕碎你的夢」 “As they tear your hope apart” 一句音域非常低，似乎安海瑟威快唱不下去了，但卻能夠以嗚咽的情緒為掩護，安然將旋律進行下去。在演唱過程中，高音呼喊的部分都非常到位，實在可圈可點。事後我才讀到相關報導，原來安海瑟威母親曾經於 1987 年《悲慘世界》美國首演時飾演芳婷，而安海瑟威本人在試鏡時，湯姆霍伯(Tom Hooper)竟感動落淚。母女先後飾演同樣一個角色，也同樣表現優異，這真是奇妙的連結。

 
上方為安海瑟威，下方為露蒂漢斯雪兒

芳婷曾遭一位紳士羞辱。那位紳士想召妓，卻東挑西揀，毛手毛腳，對芳婷極盡汙衊。芳婷不堪受辱，打傷了紳士，紳士便召警察將芳婷帶走。芳婷要賺錢撫養幼女柯賽，自然不斷哀求警探高抬貴手，但是賈維卻置之不理。正在賈維要將芳婷扭送法辦之際，尚萬強出現解救了她。尚萬強詢問芳婷為何如此落魄，芳婷回答：「老闆，你何必挖苦我？是你讓你的工頭將我開除。是的！你就在現場，卻袖手旁觀！」事實上，當芳婷被逐出工廠時，尚萬強原本正要處理這件糾紛，卻因為看到賈維，一時心慌，便委託工頭處理。工頭原本就覬覦芳婷美貌，但她卻對工頭不假辭色，工頭因而挾怨報復，將芳婷趕出工廠。安海瑟威唱「芳婷被捕」橋段時真是哀怨淒切，當芳婷對尚萬強哭喊「是的！你就在現場，卻袖手旁觀！」時，我的淚水竟也不爭氣地滑了下來。安海瑟威在詮釋這段曲子時，大量使用抽噎、沙啞且斷續的唱腔，那真是吞聲泣血，滿懷怨憤。當她說出「我真的沒做錯事，我女兒快死了」時，誰能不為這位無辜而純潔的女性一掬同情之淚？說實話，我在電影院裡聽到這段歌曲時，情緒可真如潰堤般，淚水默默滑落，也不用擦，因為動手拭淚太明顯，不如風乾來得不著痕跡。


上方為安海瑟威演唱 "Fantine's Arrest"，下方為音樂劇版本



芳婷的悲劇，主要來自於一個始亂終棄的男人。而這樣的觀點，其實也是在暗中告誡女性讀者，寧可理性地走進婚姻，也千萬不要失去理智而發生不倫戀情。這種想法與歐洲傳統「教養書」(conduct book) 的價值觀吻合，從李察生 (Samuel Richardson) 的小說《潘蜜拉》與《克烈麗莎》，到珍奧斯汀 (Jane Austen) 的《理性與感性》，都傳達了類似概念，也就是女人在接受男人的愛情前，千萬要審慎理性，因為一旦過度感性激情而淪陷，男人事後大可拍拍屁股離開，女人卻得承受更高的風險，面對接下來的後果，包括失去家庭依靠、淪落風塵、獨自撫養幼兒而陷入困境，甚至失去生命。倘若尚萬強的悲劇來自於因保護家庭竟鋌而走險的行為，那麼芳婷的悲劇則是輕率的愛情。這樣的價值觀千百年來潛移默化，形成了女性對於愛情保守、被動與審慎。雖然有女性主義者認為這是一種對於特定性別的思想箝制，然而在社會現實的壓力下，理性而務實的愛情卻不失為一種保護女性的社會機制。

重演經典音樂劇時，一方面希望超越過去經典的版本，一方面也希望能夠添加一些新的詮釋。畢竟，過去的版本再好，總不能一直活在過去，需要有新的版本推出，嘗試突破。這次在電影版中最具特色的改編曲之一，我個人認為應該算是賽夏拜倫柯恩與海倫娜波恩卡特(Helena Bonham Carter)對唱的「旅館主人」 “Master of the House”。這首歌的特別之處，主要是由於整首歌全新、充滿拉丁風味(或是說波希米亞風格？)的編曲方式，加上酒館主人濃重的南歐腔調，充分幽默地展現出酒館夫婦汲汲營營卻充滿活力的形象。酒館男主人偽善而精明，而在演唱中，酒館女主人賣弄風騷，東偷西揀，只為了愛男主人，為了養家活口，這段詮釋在音樂劇中沒有出現，只能在電影細膩鏡頭下，捕捉這種複雜而微妙的情緒。酒館夫婦原本就是一對相當喜感的人物，雖然虐待小女孩很可惡，但是他們展現出的貪婪與現實，卻十分貼近殘酷的現實世界，也因此總讓觀眾感到親切。而電影版中利用重新編曲的樂風來呈現酒館夫婦的嘗試，我個人覺得十分成功，也值得嘉許。

上方為賽夏拜倫柯恩，下方為音樂劇版本

另外讓我耳目一新的，是莎曼沙巴克絲的「孤獨一人」“On My Own”，她詮釋暗戀馬里斯的愛波寧，獨自走在巴黎街頭，孤單而無助的語氣，令人動容。雖然曾唱過《花木蘭》的莉亞莎隆嘉(Lea Salonga) 所演唱的 “On My Own” 仍然無敵，但是莎曼沙也算是別開蹊徑，與莉亞咬字清晰、如雲雀般飛揚明亮的唱法不同，莎曼沙以略帶嘶啞高吼的方式詮釋孤單的「暗戀」心情，其實頗為貼切。在電影中，愛波寧唱 “On My Own” 的時機與音樂劇中不同，後者是愛波寧為馬里斯送信給柯賽的路上所唱，但在電影中，卻是愛波寧引馬里斯私會柯賽之後所唱。

 
上方為莎曼沙巴克絲，下方是莉亞莎隆嘉 

同樣地，「綿綿細雨」“A Little Fall of Rain” 的演唱時機自然也不同了，音樂劇中是愛波寧送完信，偷跑回碉堡時中槍後所唱；而電影中卻是愛波寧為馬里斯擋下一槍，天空突然飄下細雨後所唱。因為這樣，在愛波寧死去前，電影版中已經有很多人捐軀了，所以 Enjolras 所唱 “She is the first to fall / The first of us to fall upon this barricade.” 自然也刪去了，畢竟當時地上已經倒滿犧牲者了。莎曼沙詮釋愛波寧臨終前唱 “A Little Fall of Rain” 非常不錯，我發現電影版中的演員都很喜歡利用較長時間的斷句、停頓來營造情緒，例如莎曼沙就做得不錯，這首歌頗為精彩，我幾乎都想在電影院中鼓掌了。而改寫愛波寧送信的部分，讓劇情變得流暢不少，算是很不錯的做法。唯一的缺憾是，電影中的雨下得有些突兀，特別是愛波寧倒在地上時，頭髮上已經沾滿雨珠，怎麼馬里斯頭髮完全沒有呢？


上方為莎曼沙巴克絲，下方是莉亞莎隆嘉 



當然，我一直喜愛的亞曼達賽佛瑞也沒令人失望，我一直喜歡她在《給茱麗葉的信》與《鐘點戰》裡的表現，她本來就擁有相當好的音色，也曾經演出過另一齣音樂劇《媽媽咪呀》裡的蘇菲雪瑞登(Sophie Sheridan)，所以她詮釋柯賽與馬里斯所對唱的「心中充滿愛」 "A Heart Full of Love" 時當然也恰如其分。雖然她同樣有一點高音攀爬的問題，高音一到位立刻停止，無法將高音拉長延續。但是即使如此，她的表現相對而尚稱平穩，果然不愧為甜美歌手。倒是與她對手的馬里斯，怎麼一開始唱起來有些「兇悍」？好像要找柯賽吵架的架式，表白應該是含情脈脈、千般溫柔才對呀！我個人覺得歌聲應該再溫柔、深情點好，才能傳達出那種情竇初開的感覺。不過當然，電影版中艾迪芮德曼一開始的詮釋，可能是要表現馬里斯見到柯賽前的緊張焦慮，而且幸好男生唱到 "A heart full of love" 時有轉變得很溫柔，因此整體而言電影版的這首歌成功的。

上方是亞曼達賽佛瑞，下方為音樂劇版本



至於劇中最膾炙人口的「雲端城堡」"Castle on a Cloud"，也就是柯賽還是小女孩，被酒館夫婦欺負時所唱的歌，由伊莎貝爾艾倫(Isabelle Allen)來詮釋，表現算是持平，唱起來有點小康妮的感覺，英國腔淡了些，但曲中輕輕呢喃的耳語，非常可愛而且貼切，也算是電影版中很好的詮釋了，畢竟以十一歲的年紀來說，她的演出算是盡其本分了。兩個版本中的小女孩表現算是不分軒輊，只不過，音樂劇版中的小女孩早已長大了，即使今日她親臨演唱，也不再可能是當年的歌聲了。歲月不饒人，在成長的孩子身上，特別明顯。


上方為伊莎貝爾艾倫，下方為音樂劇版本



當青年起義被弭平，馬里斯獲救生還後，回到舊日同伴聚集的所在，看著空蕩蕩的桌椅，回憶往日情景，同時哀嘆好友俱逝，只有自己苟活。他質疑革命的意義，感嘆這些為了民眾而捐軀的生命，最後卻沒有人為他們哀悼，因此便唱出了「望空興嘆」(Empty Charis and Empty Tables)。在電影版中飾演馬里斯的艾迪芮德曼音色本來就滿好的，詮釋起這首歌，更是感染力十足。特別令我感到讚賞的是，他從一開始抒情柔美的清唱，逐漸帶入吉他伴奏，情緒緩步攀升，醞釀出中段以假音呈現的回憶，從「我彷彿聽得到他們的聲音」("I can hear them now") 開始，唱得十分貼切。最後交響樂伴奏加入，情緒也進入高潮，淚水也就狂湧而出了。演唱會版本中，當馬里斯高呼「朋友啊朋友！」並且一氣呵成地叩問「你們究竟為何犧牲？」，幾乎扣緊了聽眾的呼吸。而艾迪芮德曼也採取類似的方式，效果很好。這位演員就讀劍橋大學三一學院時就是攻讀藝術史，對於演出的詮釋，想必很有自己一套想法。


艾迪芮德曼演唱的「望空興嘆」與下方音樂劇比較


由於電影的特殊表現方式，許多音樂劇當中較難呈現的部分，在電影裡都得以較為妥善的詮釋。例如電影一開頭無數罪犯拉船的壯觀場景，如果沒有電腦動畫加持，萬萬無法在銀幕上呈現，舞台劇當然更不可能有這樣鉅力萬鈞的畫面。在演唱部分，舞台上演員音色必須高亢明亮，表情動作必須誇張，才能讓音樂廳中的觀眾清楚聽見、看見。但是在電影中，透過音響與大銀幕，細微的聲音與細膩的表情都可以被捕捉，也因而可以更加自然的呈現。例如在電影中垂死的病人不用在臨終前再嘹亮地引吭高歌，酒館夫人也可以以唇形向丈夫說「我愛你」，都是電影表現細節的優勢。而在視覺的處理上，壯闊的山岳景緻與城市建設，對比骯髒而困苦的市民，也都處理得非常好。舞台劇中使用圓形旋轉舞台，讓重要場景可以旋轉呈現，而青年發起武裝行動後，碉堡的出場是動用油壓幫浦，在旋轉舞台上左右兩塊開合、拼組，十分具有看頭。在電影中，則是改為平民從家中丟出家具構成碉堡，一樣滿有震撼力的。



但是有一點我非常有意見，導演湯姆霍伯(Tom Hooper)在這齣劇中，似乎非常喜歡運用臉部特寫鏡頭。例如芳婷臨死時，就有個超級扭曲的臉部特寫。這樣的效果，究竟對於悲劇呈現手法加分，還是稍微扣分？留待觀眾的評價了。此外，由於愛波寧死時就開始下起小雨，隔夜以後彈藥受潮，小男孩加夫洛許(Gavroche)在電影中被安排走到碉堡前方撿拾手槍與彈藥，被法軍槍擊斃命，這與音樂劇中有所不同。雖然小男孩命喪槍下真是令人涕零，不過我也很想問，明明當時危機四伏，這麼聰明伶俐，深深懂得判斷情勢，並非一般無知小兒的加夫洛許，怎麼會跑到碉堡前送死？雖然看到小男孩倒下，我還是偷偷傷心了一下，但卻掩不住心中的疑惑。 

另外，電影中很明顯地刪去了暴動被鎮壓、所有青年都陣亡後，酒館主人到下水道撿拾死人的值錢物品時，曾經唱過一首很陰森的 "Dog Eats Dog"。在這首歌中，諷刺那些充滿理想的年輕人為社會大眾挺身而出，最後卻只是倒在血泊中，反而像他們這種「社會的寄生蟲」、「社會的腐食動物」，能夠在戰亂中謀取好處，在夾縫中生存。酒館主人看著遍地屍體，月光冷冷撒下，不禁質疑上帝的冷酷，甚至直言，上帝如他腳邊的死屍般，已然不在。這首歌其實非常震撼，也引人深思，但在電影版中完全消失了。另外，酒館夫婦最後喬裝貴族參加酒宴的戲碼，也有所更動。在音樂劇中，酒館夫婦諷刺了革命的青年犧牲生命，最後卻是他們這樣懂得鑽營的人物生存下來，他們因此認為為民眾犧牲生命的青年真是蠢笨。這樣的辛辣批判，在電影版中也被修改掉了。而這些，或許是為了減少衛道人士的反彈吧？

綜而論之，電影版的《悲慘世界》在視覺處理、情節改編上做得相當好，對於劇場所無法呈現的細節交代，也更加清晰，故事情節因而更加合情合理，令人不禁動容。特別是故事中不斷出現小人物的掙扎與淚水，都讓人不禁在黑暗的戲院中一掬同情之淚。只是，演員的唱歌功力與過去相較明顯較弱，同時因為串場而額外添加的音樂幾乎都不好聽，與原音樂劇的作曲水準落差過大，這是很可惜的敗筆。不過，這部電影仍然是相當值得推薦，而且值得在大銀幕上一看再看的好片。

當片尾重新響起 “Do You Hear the People Sing?” 曲中唱起人們不斷努力從黑暗爬向光明，我又不禁掉下眼淚。人沒有十全十美，但是在掙扎中進步，卻是人性的本質光輝。這原本就是一齣優秀的音樂劇，跟隨著那動人的音符，即使稍有瑕疵，仍然無比動人。因此，不妨趁新年期間，去電影院感受那動人的音樂魅力吧！