2013.12.26   Hyperallergic/馬姍姍編譯

Hyperallergic是紐約新興的一家藝術與文化網站，成立於2009年，有趣、嚴肅、激進，是他們的視角，上面的文章曾得到《紐約時報》、《華盛頓郵報》、《大西洋月刊》、《紐約客》以及英國《衛報》等傳統主流媒體的引用。前兩天，他們選出了自己的2013年度十佳藝術書籍。

2013年出版了非常多藝術相關的書籍，以下是我們的最愛。需要說明的是，我們是從紙質印刷書籍中選擇的，因為感覺電子書還有很長的一段路要走。排名不分先後。

1.《東京1955-1970：新前衛》（Tokyo 1955-1970: A New Avant-Garde）和《從戰後到後現代：1945-1989年間的日本藝術》（From Postwar to Postmodern: Art in Japan 1945-1989）
今年日本現代主義在紐約非常突出，因為古根漢博物館和現代藝術博物館（MOMA）都舉辦了相關的大型展覽。這一年我們更加清晰的認識到日本現代性對於當代藝術的影響力，而且這似乎是一件好事。這兩本書是對於這個曾被戰爭和原子彈摧毀的國家的一切瘡痍到來的十年前好奇的藝術愛好者的必備選擇。那時的東京正在興高采烈地重塑自己，希望擺脫過去的束縛，創建一個當代的現實，而那時的藝術，如你可見，如此地新鮮而令人興奮。

2.《會說話的頭：》（Talking Heads: The Vent Haven Portraits）
是一系列退休的腹語術人偶（Ventriloquist's dummy）肖像，透過鏡頭呈現的奇異容貌的表情與內涵，長久與人相處下來，它們也彷彿具有了自己的靈魂……這本書從今年年初我第一眼看見到現在都揮之不去。封面上來自馬修‧羅斯頓（Matthew Rolston）的大特寫你一旦看見就會無法忘記。

此書中就是像Achmed那樣的腹語玩偶的肖像，這些玩偶位於美國肯塔基州米歇爾堡的黑文芬特口技表演者博物館（Vent Haven Museum，腹語術人形博物館）。書籍作者馬修‧羅斯頓是著名攝影師，為《滾石》、《芭莎》《浮華世界》《名士》等眾多媒體拍攝照片，並為瑪丹娜、珍妮‧傑克森、克莉絲蒂娜‧阿奎萊拉等明星和國際品牌拍攝過MTV和廣告視頻。

馬修‧羅斯頓這本書從玩偶中尋找人性，這些曾經發出別人聲音的玩偶，現在發出了自己的聲音。

3.《伯汀斯基：水系列攝影集》（Burtynsky: Water）
流覽這本來自愛德華‧伯汀斯基（Edward Burtynsky）的攝影書，你便享受看著當代最令人讚歎的圖像的樂趣。從在中國的水稻梯田到亞利桑那州的樞軸灌溉，再到印度聖河的岸邊，每一頁都充滿了色彩和某種超凡脫俗的氣氛。搭配韋德‧戴維斯（Wade Davis）與羅素勳爵（Russell Lord）的散文，如果你相信攝影是我們理解我們周圍世界的關鍵，那麼這本書真的屬於你。

4.《街頭藝術和塗鴉世界地圖》（The World Atlas of Street Art and Graffiti）
街頭藝術的草根性和自發性，用作者的話說，是「仍未受到白立方之類畫廊限制的圖像製作實踐」。

這本拉斐爾‧沙克特（Rafael Schacter）的書比一般講街頭藝術的書更加的學術，而且這並不是壞事，它帶領讀者經歷了一場全球藝術運動，質疑了公共藝術品的角色，並揭示了一些多數人不知道的地域化狀態。而對於街頭藝術厭惡者們，本書囊括了跨度非常大的各種藝術天才，也許你終於能明白為什麼這個流派會吸引這麼多來自世界各地的人。

5.《艾蜜莉‧狄更生：絕美的虛無》（Emily Dickinson: The Georgous Nothings）
艾蜜莉‧狄更生是一位死後得到眾多關注的美國詩人，她與惠特曼同時代，現在其偉大程度也被奉到後者的高度。

這本書中集中了女詩人的信和信封。女詩人一直認為：打開一封信的意義不僅僅是展開一張紙。她將自己的信紙做成各種形狀，信中文字也有各種不同的編排。翻閱這本書，就像是用很私密的形式進入詩人的心靈。

現在的人們對艾蜜莉‧狄更生的崇拜依然強大如初，所以如果你是這個粉絲俱樂部的一員，我們肯定會建議你收藏這本來自瑪爾塔‧維爾納（Marta Werner）和珍‧貝爾威（Jen Bervin）的狄更生書信集。

6.《沙龍的藝術》（The Art of the Salon）
這個漂亮的盒裝大部頭的作者是藝術史學家諾伯特‧沃爾夫（Norbert Wolf），它探討了19世紀的沙龍產業，以精闢的論文闡述了當時的沙龍（類似現在的藝術博覽會）是一種國際性的而且是商業性質的事情。雖然今天我們記得那些沙龍，大多因為一些當時不被允許進入參展的藝術家，比如印象派，但對於研究在很長一段時間內占據主導地位的藝術風格和語言來說它們非常重要。本書講了一個跟我們在藝術史課堂上所聽到的非常不同的故事。

7.《清算：新千年的女性藝術家》（The Reckoning: Women Artists of the New Millennium）
女性在正統藝術史中往往鳳毛麟角，當藝術進入到觀念大行其道的當代藝術階段，梳理這個性別的藝術家有著重要藝術，同時讓人知道：性別平等在藝術世界中遠未實現。

本書的作者是知名藝評家艾蕾諾‧哈特妮（Eleanor Heartney）、赫莱茵‧波斯纳（Helaine Posner）、南西‧普林森托（Nancy Princenthal）和蘇‧史考特（Sue Scott），探討了當今的女性藝術家的狀態。這個前提可能非常寬泛而且龐大，但當你讀完並理解了女性從事藝術活動的各個階段和不同策略，也許會頗受啟發。書中不僅囊括了一些代表藝術家，還有很多新興人士，這種混雜讓人感受到一種令人興奮的交流。

8.《損害控制：從1950年開始的藝術與破壞》（Damage Control: Art and Destruction Since 1950）
本書的出版與在華盛頓的赫希洪博物館（Hirshhorn Museum）的同名展覽的開幕同時，聚焦當代藝術的動機之一，並探討了其歷史前因和現代的影響。

9.《明亮的夜：另一個紐約攝影集》（Bright Nights: Photographs of Another New York）
本書指出了它的一個偉大之處在於：對邊緣文化永久的愛。「紐約現在是，而且永遠是，放逐者、拒絕者、藝術家、尋求刺激者和實驗者之城。這是一個熱愛腎上腺素的城市。」作者家托德‧西里（Tod Seelie）的照片就證明了這一點。

托德‧西里是一個完善的觀察者，他的這本照片書，深深的潛入了喜歡遊蕩在高檔邊緣的時髦的紐約。所有圖像都充滿了能量，短暫地傳達出什麼，又好像身處某種新事物的懸崖上。紐約是，而且將永遠是，一座屬於流亡者、拒絕、藝術家、找刺激的人和實驗者的城市。

10.《一秒7英里》（7 Miles a Second）
本書由著名的當代藝術家大衛‧沃基納羅維茲（David Wojnarowicz）所作，《一秒7英里》最初是由DC漫畫公司於1996年出版，今年由幻圖出版公司（Fantagraphics）重新出版。這是一部混雜著夢、幻覺以及社會評論的個人故事回憶錄。它的核心是沃基納羅維茲與他的身體的沉重關係──他為了錢將這軀體賣了，從而生存下來；買下這軀體的人不斷地虐待它；它感染了愛滋病病毒，軀體被病毒體拖垮……在倒數第二頁上，他寫道「我無法繼續抽象化我自身的死亡了。」（I can’t abstract my own dying any longer）這也許是關於病痛曾被寫下的最淒美的句子了。