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| 2011/01/26 13:37:42瀏覽214｜回應0｜推薦2 | |
70~80年代的紐約藝術氛圍，充斥的是對不同媒材與表現的躍躍欲試，當極限藝術與觀念藝術掀起熱潮，藝術中的"古典"代表:繪畫，並未如不同預言者所宣告的，如一個有機生命般的被判死刑。相對的，當諸多藝評、藝術家紛紛投入創造與紀錄一個新時代來臨，並於其後被謂之為主流的活動時，一個晚了十幾年的展覽「High Times Hard Times: New York Painting 1967-1975」在iCI主導下，由知名策展人Siegel, K.與也是藝術家的Reed, D.擔任顧問，促成了這個巡迴展。顧名思義的，這個展覽的參展藝術家，許多並非居於當今主流藝術的位置，但是從他們的藝術作品所聯結的是，當時的主流運動藝術潮流旁，一種眾聲喧嘩的存在，這個存在見證的是：當時的紐約‧繪畫‧創新。在翻閱此展的出版書籍時，驚見此一照片而令人略為怔懾，這是已過世正值年輕時期的老師Loving，於17街工作室頂樓所拍攝下的影像，他是Whitney Museum計劃展出黑人藝術家個展時，1969年做為第一位展出的畫家，也是當「High Times Hard Times」此展開始籌畫進行訪問時，卻因過世而無緣對談的一位。 看到這張照片，讓人想到「藝術到底能留下些什麼？」的問題，或者應該說藝術並無存在本身，而是以一種魅影的方式進行的，然而，藝術作品常常像是反射這道魅影的憑藉物，因為透過這類展覽，我們反而從某種時代氛圍中，感受到藝術的強烈存在感，這既非理論亦非文字，就是一種存在的境域。這種力量也再次提醒了我們，做為一個藝術家，不！是一個人與所處時代環境的互涉存在感。 |
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| ( 創作｜散文 ) |
