面對一張畫作時，即使每個人的主觀想法必定存在著部分差異，但對於接收畫面上呈現的情緒，你我會有那麼大天差地遠的感受不同嗎？ 睜大眼睛，瞧! 是否就望見畫布後面的藏鏡人? 經過時代的流轉，技術的進步，更因為十九世紀照相機的驚人問世後，使得西洋藝術核心逐漸捨棄以往追求的寫實、客觀和理性， 進而緩緩轉向探索心靈、表達自我的精神探詢，二十世紀的歐美現代美術便具現了如此感性的新視野。 承襲野獸派狂野刺激下的表現主義(Expressionism)，是用色強烈、高度強調自我的藝術；抽象表現主義(Abstract Expressionism)則是無形式又高度奔放的投射意識型式，也因以上兩個畫派皆具備反應內在的特性，故藝術家們的快樂與傷悲，都可以被放大解析，藏身於畫作背後的他們：孟克（Edvard Munch）和帕洛克(J. Pollock)，事實上，靈魂，負面的很赤裸。

  表現主義(Expressionism)的抑鬱勇者

我想我這輩子都忘不了看見吶喊這幅畫的第一印象，是無聲的絕望，是好多好多的無奈和悲傷，畫中人物的情緒，無形之中渲染了所有觀者，彷彿真的能夠聽到他的吶喊聲在空間裡反彈、迴旋著，刺耳的提醒人們，不快樂也能逼真的憾人。 濃烈的對比色相互交融在同一個畫面下，像是冰與火兩種對立呈兩極的概念在彼此拉鋸的衝突美感，套用美國著名詩人佛洛斯特(Robert Frost)詩作「火與冰」(Fire and Ice)所闡述的想法，火的意像，象徵強烈的內在感受，如慾望、忌妒、占有等等的高漲情緒，而冰的意象，則象徵了相反的感受，仇恨、冷漠、放任種種的壓抑情緒，而此幅畫作集結了近乎所有可以被言喻的負面能量，任誰的頭頂上壟罩了這樣的沉重都會想要忘情嘶喊吧！

  1895 年，孟克本人形容此作品是他在「孤獨和被苦悶所戰慄的一刻時感受到自然界有浩瀚無盡的吶喊」 究竟是一個怎麼樣的藝術家會繪出如此令人不安、神傷的作品呢？ 愛德華 孟克（Edvard Munch）一生被黑暗氣息烏雲罩頂的男人，其母親早年死於肺結核的侵襲，在患有精神疾病且心理狀態不甚穩定的父親一人撫養下，填鴨式的強迫子女接受高壓式宗教信仰，並且灌輸他們對於地獄、煉獄的恐懼觀念， 種下孟克與他的手足們心理層面上的抑鬱因子，隨後的幾年內，孟克的父親、兄長和姊姊接連過世，妹妹又患有精神疾病，自己的身體狀況也不盡理想，種種因素刺激下，使得他養成了極度悲觀的人格，畫作也往往無意識的流露出個人深層的哀戚與苦痛。 在世紀之交，十七與十八世紀相接的時代，或許是所謂人類天性裡對於未知的不安在悄悄作祟，1902年，屬於新世紀的開端年間，孟克與交往多年的女友結束關係。

  1908年，孟克的焦慮情形越演越烈，引發精神分裂症病發，並到了賈可布遜博士的診所進行住院治療，出院後的他，在個性上有了很大的轉變，且決心要放棄從前自虐又苦悶的人格特質。 次年，回到故土北歐之國－挪威，孟克把做畫重心從人物轉移到了大地之母身上，也因為不再以人物為主體，他的作品沒了過去的悲觀氣質，反而增加了色彩和生命力，無奈，第二次世界大戰(1939-1945)的納粹德國，將孟克的作品從各大美術館撤下來，並且冠以「頹廢藝術」的標籤，此舉傷透了把德國視為另一個家鄉的孟克的心。

  晚年的他回憶自己灰暗的過往歲月提到:「病魔、瘋狂和死亡是圍繞我搖籃的天使，且持續的伴隨我一生。」

  孟克有個一顆強大卻無比細膩敏感的心，內心世界裡蘊藏了常人沒辦法想像或者承受的深度黑暗，但另方面這樣的他，真誠而真實，從不掩飾靈魂裡的不安、惶恐 或是焦躁，更因如此獨特的心理狀態，使之不同於其他藝術家，風格中反映了獨一無二的特殊存在，1889年26歲的蒙克寫道：「我們將不再畫那些在室內讀報的男人和織毛線的女人，我們應該畫那些活著的人。他們呼吸、有感覺、遭受痛苦並且相愛。」他默默觀察著身邊發生的不幸，用畫筆忠實呈現感受，用心感染、點燃觀眾的情緒之火。

  抽象表現主義(Abstract Expressionism) 的不自由舞者

抽象表現主義，這個名詞聽來抽象，它在歐洲又被稱為無形式藝術(Art informal)，或許，用行動繪畫(Action Painting)來描述會容易理解的多了，此名稱來自於1952年美國藝評家羅森柏格(Harold Rosenberg)對抽象表現主義的批評，故名思義，就是以行動的方式去做藝術表現，恣意在巨型畫布上，揮動沾滿顏料的刷子，行走時，任意滴濺色料，創作過程也可以視為藝術表現的一環，而傑森 帕洛克更是其中的佼佼者。

  其使用的顏料往往不只是單純的顏料而已，為了改變油彩在畫面上停留的時間，以及流動速度，有時會在其中添加小沙粒、石礫、弦線、釘子、鈕扣、香菸、火柴或是碎玻璃等雜物 來增加厚度，立體化的平面畫作，創造新質感的可能性。說這個男人是二十世紀最有影響力的美國現代藝術大師，他的創意程度和燒之不盡的熱情，絕對當之無愧。

  有人說，抽象表現主義反應了對於自由的嚮往，以及破壞舊有的創新思想，但同時也隱含了屬於現代人獨有的社會心理-高壓時代下的焦慮和沉悶。那麼之於帕洛克(J. Pollock) 他想要逃避的是什麼呢？又是因為什麼樣的人格造成了他的偉大呢？ 帕洛克自幼備受家人的呵護，卻是一個不喜愛上學的叛逆份子，中學時期，染上了打架鬧事的惡習，抽菸、酗酒樣樣都來，藉著酒經的麻痺作用，他找到了得以脫離現實的途徑，本身矛盾、害羞又神經質的性格，即便他走入婚姻，安定則從來不是藝術家的好朋友，外遇很快的發生了，種種惡習，與精神疾病（嚴重憂鬱症）的長期相伴，帕洛克的身上早已種下毀滅之因。

 1930年，帕洛克與兄弟搬到了充滿魅力和刺激的大都市紐約，開始藝術生涯， 1949年，一篇藝術專文將他喻為當代最偉大的美國藝術家，而此舉造就了一個無可限量卻要註定墜落的巨星，1950年代，帕洛克轉向更大眾化的畫廊，並且接收了更多的作品訂單，承受著名氣、市場需求和內在要求各種龐大壓力，互相拉扯的狀況，把長期累積的酗酒習慣推向另一個巔峰，即便他努力的舞動畫筆， 借酒澆愁，但這些都不再能像過去一樣拉他一把，助他脫離緊掐著脖子的現實。

 1956年，那一年，帕洛克才正值壯年中葉－四十四歲，炎熱的八月，他一如往常的持續酗酒的惡劣習慣，喝了一個爛醉，開車要載他的情婦Ruth Kligman以及她的朋友Edith Metzger出去遊玩，兩人一上車便驚覺到駕駛人不同平日的精神狀況，他沒了命似的怒踩油門，在尖叫聲中，車子偏離公路，衝向樹叢，造成翻覆意外，劫數難逃，車上三人，只有一人倖存。天妒英才，傑森‧帕洛克就如此匆匆結束了自己的生命。

 「當我在做畫的時候，我無感於自己的作為，要經過一段熟悉的過程之後，才能明白到自己的所為，我無懼於畫作的改變與破壞等種種，因為作品本身就具備了自己的生命，我只不過是讓它走了出來，也唯有在我失去對於畫作的連結時，才會得到一團亂，不然它會是單純的和諧，施與受之間，作品便油然而生。」 (“When I am in my painting, I'm not aware of what I'm doing. It is only after a sort of 'get acquainted' period that I see what I have been about. I have no fear of making changes, destroying the image, etc., because the painting has a life of its own. I try to let it come through. It is only when I lose contact with the painting that the result is a mess. Otherwise there is pure harmony, an easy give and take, and the painting comes out well.—Jackson Pollock, 1956”)

 根據帕洛克個人的說法，當他在創造時，會完全忘卻自身的現實空間存在，而掉入某種難以被清楚言喻的空間，或是精神狀態，並且覺得自己在作品裡跳舞，可惜他只短暫的跳了十幾年的做畫光陰，成就了後人難以觸及的偉大，也留下了令人不勝唏噓的傳奇悲劇故事。

Ps. 這篇文章最初的構想，還包括了二次世界大戰年間的畢費，不過，還是改天再補上好了:P