作家
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| 2010/11/21 23:15:31瀏覽271｜回應0｜推薦10 | |
| 任何景物呈現在人的眼前是具有真實性、具體性的，有質感、重量感、立體感，以及色彩的豐富性、空間造型的多樣性，加上心靈與景物交會感應蹦出來的火花－－感性，形成美感經驗。這種美感的經驗是藝術的根源，繪畫更是築基於此，成為視覺藝術的先驅，繪畫的訓練則是一切視覺藝術的基礎。
初初學畫須先練習室內寫生，在固定光源下藉由黑灰白的素描練習，描繪物體的亮暗、層次，以具體的表現出物體的質感、量感、空間感，等有了基本的素描能力，即可進行有色彩的室內寫生，將素描的觀念轉化成色相、明度、彩度的變化，甚至訓練由物象的原始色轉化為畫者個人感性的色彩表現。 畫者在能夠熟悉的掌握色相、明度、彩度的變化後，就應該走到室外，在陽光下面對大自然做戶外寫生的訓練。這時畫者會發現，陽光時時位移、光影若隱若現，大自然是紊亂無章法，而且是多角度、多視點可以有無數多種可能的構圖，即便是在室內寫生多年的畫者，往往一時還真不知從何下筆。 在目前這樣一切講求速成的時代，有些畫者選擇用照片來摹擬成圖畫，殊不知寫生全然不是拿照片當範本的摹擬，照片已將景物的色彩、亮暗層次簡化，構圖定型了，擬稿者只須將其摹寫於畫布上，不必去面對不同光影下物體與空間的虛實對應；所形成的具體而微妙的色階對比問題。譬如：早晨與傍晚、春夏與秋冬冷暖的色階、對比的強弱人眼觀察是細膩而變化萬千的，遠勝於照片的侷限程度，就算再好的數位相機亦然。 寫生亦非全盤照著大自然描寫，而是藉著大自然變化多端的色調、光影、形象做一個調整與結構的演練，也就是古人所說的「師自然、法自然」。許多大師都是經過這樣的奮鬥才結晶出曠世巨作。事實上，就一個長期致力於寫生的畫者而言，擬稿照片是一件無趣且太容易的事。 我們可以說：寫生是畫者的基本課題，面對大自然的紊亂雜陳，如何結構出韻律有致的構圖，而又不失景物的形貌况味，需要經年累月的練習，與靜心觀照大自然的審辨功夫。這就要真正面對大自然去觀察、分析、比較景物的明度、彩度、及空間中的相對關係，並取捨其中的美與不美；需要與不需要，再予以調整佈陳，透過畫材色料呈現於畫布上，完成一幅作品。 基本上寫生不等同於創作，因為寫生的當下，已經有自知或不自知的創作意念與作為，這要視畫者本人的意識與功力而定，功力越深厚者，越自知自己下的每一筆是創作亦或是描寫。而畫者可以藉由寫生來創作；或培養創作的能力是無庸置疑的。 相對的，一個擬稿照片的畫者要進入創作，就會困難重重而顯得捉襟見肘錯誤百出，因為他學到的是摹擬的技法，不是自己面對景物面對自然的描繪、調整、構圖的能力，一要創作就會發覺不知如何處理整個畫面的構成，甚至一個色面、一段線條、或一個點，更不用談及空間中的形、色、對比關係；及面對大自然所感受到行健不息的生命力等問題了！ |
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| ( 創作｜散文 ) |
